Stillleben mit „Light painting“

Die Technik des Light Painting oder Lichtmalerei gibt es schon lange. Es gab sie schon zu Zeiten der analogen Fotografie. Heute wird sie bei Stillleben überwiegend von amerikanischen und italienischen Fotografen praktiziert. Einer der „Großmeister“ des Light Painting ist der Amerikaner Harold Ross. Er praktiziert die Technik seit ca. 40 Jahren als professioneller Werbefotograf. Er bietet dazu auch Kurse und selbst entwickeltes Equipment an. Was er mit dieser Technik macht, kann man hier begutachten: https://www.haroldrossfineart.com/still-life

Was braucht man? Neben einer Kamera mit Stativ und Fernauslöser benötigt man eine Taschenlampe und einen Raum, der abgedunkelt werden kann. Die Taschenlampe braucht man zum „malen mit Licht“ – sie ist quasi der Pinsel. Aber nicht jede Taschenlampe eignet sich. LED-Lampen mit guter Leistung und möglichst kleinem Spot ohne Streuung sind von Vorteil. Ein Diffusor vor der Lampe ist hilfreich. Harold Ross hat einen speziellen Diffusor entwickelt, der zweimal um 90 Grad abgewinkelt ist und durch die Lichtbrechung ein perfektes Licht auf das Motiv wirft. Ich habe mir inzwischen verschiedene ähnliche Diffusoren provisorisch nachgebaut und bin damit einigermaßen zufrieden. Alternativ kann man auch einen halbtransparenten weißen Deckel verwenden (z.B. von einer kleinen Spraydose oder ähnl. im Kosmetikbereich findet man da leicht einen passenden Deckel).

Als weitere Lichtquelle benutze ich einen LED-Lichtstab, den ich ebenfalls nach einem Modell von Harold Ross mit einem Diffusor „modifiziert“ habe. Diese Leuchtstäbe oder auch Videoleuchten gibt es preiswert im Internet. Meist kann man neben verschiedenen Leuchtfarben auch weißes Licht nutzen, bei dem man die Farbtemperatur und die Lichtmenge einstellen kann.

Das Wichtigste sind natürlich geeignete Objekte oder Requisiten und passende Hintergründe. Was die Objekte betrifft, sind der Phantasie keine Grenzen gesetzt. Klassisch sind Motive mit Blumen, Obst und/oder Geschirr. Damit lassen sich Bilder nach dem Stil alter belgischer oder holländischer Maler erstellen. Diese Maler waren Meister der Lichtmalerei obwohl sie mit Farben gemalt haben.

Ich arbeite momentan gerne mit alten oder ungewöhnlichen Werkzeugen und Alltags-Gegenständen, die sonst wenig Beachtung finden. Je mehr Patina oder Gebrauchsspuren, desto besser. Alte Küchengeräte, Trockenblumen, Deko-Material usw. stehen bei mir auch auf dem „Suchzettel“. Aus meinem privaten Umfeld kommt auch das eine oder andere Objekt als Leihgabe.

Die Meisten meiner Hintergründe habe ich selbst erstellt, hinzu kommen diverse „Fundsachen“.

Meine Arbeitsweise:

Zuerst erstelle ich eine Komposition mit den jeweiligen Objekten sowie dem Boden und dem Hintergrund. Bei der Anordnung der Objekte achte ich darauf, dass eine räumliche Tiefe erreicht wird. Dabei sind manchmal wenige Millimeter entscheidend. Vordere Objekte sollten so platziert werden, dass deren Ränder nicht mit Rändern von hinteren Objekten „anstoßen“, sondern die Objekte sollten sich teilweise überdecken.

Dann positioniere ich Kamera und Stativ auf eine Höhe, die zur Komposition passt und richte die Kamera aus. Eingestellt wird manueller Fokus, Belichtungszeit Bulb und eine weit geschlossene Blende. Ich fotografiere mit einer Olympus OMD M1 MarkII und Brennweiten zwischen 25-50mm (entspricht 50-100mm am Kleinbild). Die Olympus bietet mir dank der Funktion „Live-Bulb“ den Vorteil, während der Belichtung die Lichtsituation am Display zu überwachen. Bei abgedunkeltem Raum beleuchte ich dann mit der Taschenlampe jedes einzelne Objekt mit pinselartigen Bewegungen (meist ein Foto pro Objekt). Der Abstand der Lampe zum Objekt und die Richtung des Lichts spielen dabei eine entscheidende Rolle. Die Strukturen der Objekte sollen dabei herausgearbeitet werden. Da die Lampe auch vor dem Objektiv bewegt wird, ist es wichtig, dass der Lichtkegel nur in Richtung der Objekte gerichtet wird und keine Reflektionen Richtung Kamera abgibt. Abschließend mache ich noch ein bis zwei Aufnahmen mit der Stableuchte von der Gesamtkomposition. Dann erfolgt noch ein Bild mit weißem Hintergrund (ich beleuchte dann nur den Hintergrund). Damit lässt sich später bei der Nachbearbeitung der Hintergrund leichter maskieren. Insgesamt kommen so, je nach Menge der Objekte, 6-10 Ausgangsbilder zusammen.

Es ist natürlich viel Übung und Ausprobieren erforderlich, bis man vorzeigbare Ergebnisse erzielt. Ich wende diese Technik seit rund eineinhalb Jahren an und finde immer noch reichlich Ansätze zur Verbesserung.

Nach dem Fotografieren erfolgt die Bearbeitung am PC. Die einzelnen Ausgangsbilder werden dabei mit Hilfe von Ebenen und Masken in Photoshop zusammengeführt, bis ich mit der Lichtsituation aller Objekte zufrieden bin. Den Hintergrund bearbeite ich dann noch separat mit Luminanzmasken – dazu nutze ich das Ausgangsbild mit dem weißen Hintergrund. Den letzten Feinschliff erarbeite ich dann in Luminar4.

Soweit die kurze Erklärung zu meiner derzeitig vorrangigen Fotobeschäftigung. Bei Fragen einfach einen Kommentar hinterlassen oder eine Email an mich (Kontaktformular auf der about me Seite)

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English Version:

Still life photography with „Light painting“

The technique of light painting or light painting has been around for a long time. They already existed in the days of analog photography. Today it is mainly practiced by American and Italian photographers for still lifes. One of the „grandmasters“ of light painting is the American Harold Ross. He has been practicing the technique as a professional advertising photographer for around 40 years. He also offers courses and equipment he has developed himself. You can see what he does with this technique here: https://www.haroldrossfineart.com/still-life

What do you need? In addition to a camera with a tripod and remote release, you need a flashlight and a room that can be darkened. You need the flashlight to „paint with light“ – it is like the brush. But not every flashlight is suitable. LED lamps with good performance and the smallest possible spot without scattering are advantageous. A diffuser in front of the lamp is helpful. Harold Ross has developed a special diffuser that is bent twice by 90 degrees and throws a perfect light onto the subject due to the refraction of light. In the meantime I have temporarily rebuilt various similar diffusers and I am reasonably satisfied with them. Alternatively, you can also use a semi-transparent white lid (e.g. from a small spray can or similar. You can easily find a suitable lid in the cosmetics sector).

As an additional light source I use an LED light stick, which I also „modified“ with a diffuser based on a model by Harold Ross. These light sticks or video lights are inexpensive on the Internet. In addition to different luminous colors, you can usually also use white light, where you can adjust the color temperature and the amount of light.

Of course, the most important things are suitable objects or props and suitable backgrounds. As far as the objects are concerned, there are no limits to the imagination. Motifs with flowers, fruit and/or crockery are classic. This allows pictures to be created in the style of old Belgian or Dutch painters. These painters were masters of light painting even though they painted with colors.

At the moment I like to work with old or unusual tools and everyday objects that otherwise receive little attention. The more patina or signs of use, the better. Old kitchen appliances, dried flowers, decorative material, etc. are also on my „wish list“. One or the other object comes as a loan from my private environment.

I created most of my backgrounds myself, plus various „found things“.

My way of working:

First I create a composition with the respective objects as well as the floor and the background. When arranging the objects, I make sure that spatial depth is achieved. Sometimes a few millimeters are crucial. Objects in front should be placed in such a way that their edges do not “butt” against the edges of objects in the back, but the objects should partially overlap.

Then I position the camera and tripod at a height that suits the composition and align the camera. Manual focus, bulb exposure time and a wide closed aperture are set. I photograph with an Olympus OMD M1 MarkII and focal lengths between 25-50mm (equivalent to 50-100mm on a 35mm camera). Thanks to the „Live Bulb“ function, the Olympus offers me the advantage of being able to monitor the light situation on the display during exposure. In a darkened room, I then use the flashlight to illuminate each individual object with brush-like movements (usually one photo per object). The distance between the lamp and the object and the direction of the light play a crucial role. The structures of the objects should be worked out. Since the lamp is also moved in front of the lens, it is important that the light cone is only directed towards the objects and does not emit any reflections towards the camera. Finally, I take one or two shots of the overall composition with the flashlight. Then there is another picture with a white background (I then only light the background). This makes it easier to mask the background later in post-processing. In total, depending on the number of objects, 6-10 original images come together.

Of course, it takes a lot of practice and trial and error to achieve presentable results. I’ve been using this technique for about a year and a half and I’m still finding plenty of room for improvement.

After the photograph is taken, the editing takes place on the PC. The individual source images are brought together in Photoshop with the help of levels and masks until I am satisfied with the lighting situation of all objects. I then edit the background separately with luminance masks – I use the original image with the white background for this. I then do the final touches in Luminar4.